10 obras de arte que você precisa conhecer

Seja nos famosos museus que lhes fazem morada, seja nas estampas de camisetas e estojos, ou na decoração do café onde você ama ir, é inevitável não reparar nas obras de arte que mundialmente se popularizaram e permaneceram no cenário mundial mesmo séculos depois de terem sido criadas.

E qual a sensação que você tem quando vê uma obra de arte super famosa, porém, não faz ideia de quem pintou, de onde é, e o que significa?

Eu me sinto uma burrica. Uma medida de cultura veste bem em qualquer tipo de corpo, concorda?

Este é o intuito desta postagem – deixar eu e você bem informados sobre dez importantes obras de arte. Assim, quando novamente nos depararmos com elas, poderemos desfrutar mais profundamente do apelo sensível que esse tipo de trabalho tem.

Depois de algumas pesquisas em fontes bibliográficas de terceiros e fotografias mentais pessoais, escolhi dez importantes obras de arte para conhecermos melhor.

Listadas por critério de data de criação, vamos entrar no maravilhoso mundo da arte e desfrutar o que cada uma das nossas ilustres convidadas tem a nos contar.

1. O Nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli (1485)

“O Nascimento de Vênus”, cujo nome original é Nascita di Venere, é uma obra de arte de Sandro Botticelli concluída por volta de 1485.

Alessandro di Mariano Filipepi, conhecido como Sandro Botticelli, foi um pintor italiano, nascido em Florença, que surgiu no início do Renascimento.

Depois de se formar como ourives, foi aprendiz de Fra Filippo Lippi, o melhor pintor florentino da época. Botticelli fez seu nome com sua obra de arte “Alegoria da Fortitude” (1470), e posteriormente foi contratado para pintar “O Nascimento de Vênus” para Lorenzo, o Magnífico (ou possivelmente um primo, o banqueiro Lorenzo di Pierfrancesco, chamado “il Popolano”) da família Medici.

Na mitologia, Vênus foi concebida quando o titã Cronos castrou seu pai, o deus Urano, cujos órgãos genitais decepados fertilizaram no mar.

“O Nascimento de Vênus” retrata o momento descrito pelo poeta romano Ovídio quando, tendo emergido do mar em uma concha, Vênus pousa em Pafos, em Chipre. Apesar das proporções incomuns de seu corpo – o pescoço alongado e o braço esquerdo excessivamente longo, Vênus é uma figura impressionantemente bela, com sua pele delicada e cachos suaves recém-saídos do mar. Historicamente, este é o nu retratado mais importante desde a antiguidade clássica.

Além da qualidade artística, “O Nascimento de Vênus” se destaca por ter sido a primeira obra de arte toscana conhecida a ser pintada sobre tela, que hoje é padrão, mas outrora revolucionário, uma vez que as pinturas habitualmente eram feitas em painéis de madeira mais caros.

O nome de Botticelli é derivado do nome de seu irmão mais velho, Giovanni, um penhorista chamado Botticello (“Pequeno Barril”). O pai de Botticelli era um curtidor que ensinou Sandro a ser ourives depois que seus estudos terminaram. Mas, como Sandro preferia a pintura, seu pai o colocou sob o comando de Filippo Lippi, um dos mestres florentinos mais admirados. Absorvido pela sua arte, Botticelli nunca se casou e morou com a família.

2. Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci (1519)

Cem entre noventa pessoas conhecem a célebre obra de arte de Leonardo Da Vinci, Mona Lisa. Mas quem é a modelo do retrato? Por que esta obra de arte tanto se popularizou?

Mona Lisa foi pintada entre 1503 e 1519, quando Da Vinci morava em Florença, e agora está pendurada no Museu do Louvre, em Paris.

O sorriso misterioso da modelo e a sua identidade não comprovada fizeram da pintura uma fonte de investigação e fascínio contínuos.

Uma série de teorias sobre a identidade da mulher estampada na obra de arte foram apresentadas ao longo dos anos: que ela é a esposa do comerciante florentino Francesco di Bartolomeo del Giocondo (portanto, o título alternativo da obra de arte, La Gioconda); que ela é a mãe de Leonardo, Caterina; e, finalmente, que é um autorretrato, dada a semelhança entre os traços faciais da modelo e do artista.

Por que Mona Lisa é tão famosa? Há algumas particularidades que fazem dela uma obra de arte tão especial.

A visão de três quartos, na qual a posição do modelo se volta principalmente para o espectador, rompeu com a pose padrão usada na arte italiana – onde a modelos eram posicionadas de frente – e rapidamente se tornou a convenção para todos os retratos, usada até o século XXI.

O rosto suavemente modelado mostra a habilidade de Da Vinci com o sfumato (uma técnica de sombreamento suave) e revela seu conhecimento da estrutura muscular e óssea sob a pele.

O véu delicadamente pintado, os fios de cabelo finamente trabalhados e a cuidadosa representação do tecido dobrado demonstram as observações estudadas e a paciência inesgotável do talentoso artista.

A sensação de harmonia geral alcançada na pintura – especialmente aparente no leve sorriso do modelo – reflete a ideia de Leonardo da ligação cósmica que liga a humanidade e a natureza, tornando esta pintura um registo duradouro da visão de Da Vinci.

Na sua requintada síntese entre modelo e paisagem, a Mona Lisa estabeleceu o padrão para todos os retratos futuros.

Nascido em 15 de abril de 1452 em Anchiano, perto de Vinci, República de Florença, na Itália, Leonardo da Vinci foi pintor, desenhista, escultor e arquiteto.

Os pais de Leonardo não eram casados ​​na época de seu nascimento. Seu pai, Ser Piero, era um notário e proprietário de terras florentino, e sua mãe, Caterina, era uma jovem camponesa que logo depois se casou com um artesão.

Leonardo cresceu na propriedade da família de seu pai, onde foi tratado como filho “legítimo” e recebeu o ensino fundamental habitual da época: leitura, escrita e aritmética.

As inclinações artísticas de Leonardo devem ter surgido cedo. Quando ele tinha cerca de 15 anos, seu pai, que gozava de grande reputação na comunidade florentina, o apresentou ao artista Andrea del Verrocchio.

Na renomada oficina de Verrocchio, Leonardo recebeu uma formação multifacetada que incluía pintura e escultura, bem como artes técnico-mecânicas. Os seus cadernos revelam um espírito de investigação científica e uma habilidade de criar projetos mecânicos que estavam séculos à frente do seu tempo.

3. A Moça com Brinco de Pérola, de Johannes Vermmer (1665)

Originalmente Meisje met de parel, “A Moça com Brinco de Pérola” é uma pintura a óleo sobre tela de 1665 feita pelo pintor holandês Johannes Vermeer. A obra de arte reside permanentemente no museu Mauritshuis, em Haia, na Holanda.

A mulher da obra de artesão não se trata de retrato, mas de uma figura que nasceu na mente do artista: uma garota com roupas exóticas, com um turbante oriental e uma pérola grande na orelha.

Johannes Vermeer nasceu em Delft em 1632. Seu pai era negociante de arte e proprietário de uma espécie de hospedaria. Ele tinha boas relações com os pintores de Delft. Pode ser que Johannes Vermeer tenha se inspirado ali para escolher também a profissão de pintor.

Vermeer se casou e teve 11 filhos. Por trabalhar com muita precisão, ele só conseguia produzir duas ou três pinturas por ano para vender.

Observador e metódico, Vermeer produziu apenas 36 obras de arte conhecidas em sua vida. Como seus colegas, ele retratou principalmente cenas da vida cotidiana, mais tarde chamadas de pintura de “gênero”, muitas vezes de mulheres em tarefas diárias.

Quando o mercado costeiro entrou em colapso em 1672, ele quase não tinha mais renda. Em 1675 ele morreu na pobreza financeira.

Vermeer é considerado o mestre da luz. Nesta arte podemos perceber esta luz na suavidade do rosto da menina, o no brilho da luz em seus lábios úmidos e na pérola brilhante.

Na realidade, a “pérola” na orelha da menina não é oficialmente uma pérola, segundo os especialistas, mas sim um brinco de vidro laqueado.

4. A Grande Onda, de Katsushika Hokusai (1831)

O enérgico e imponente quadro The Great Wave of the Coast of Kanagawa (A Grande Onda da Costa de Kanagawa, mais conhecida simplesmente como A Onda) é a obra de arte mais conhecida do artista japonês Hokusai Katsushika, um dos maiores xilógrafos, pintores e ilustradores de livros japoneses.

Xilógrafo é o tipo de artista que grava sob a madeira imagens ou textos em relevo.

A Grande Onda foi criada por volta de 1831 como parte de uma série de xilogravuras chamada “Trinta e seis vistas do Monte Fuji” (Fugaku Sanju-roku Kei).

O lindo pigmento azul escuro usado por Hokusai, chamado Azul da Prússia, era um material novo na época, importado da Inglaterra pela China.

O design mostra uma cena bastante dramática. Uma onda enorme está balançando sobre três barcos minúsculos, longos e esguios, lotados de pescadores. O Monte Fuji está aparecendo ao fundo – muito pequeno e muito calmo, intocado pelo drama que se desenrola no mar a algumas dezenas de quilômetros de distância. À primeira vista, pensa-se que os humanos em seus pequenos barcos estão condenados a morrer no mar.

Mas eles provavelmente não são. Os pescadores não parecem em pânico. Pelo contrário, eles aparentam se pendurar em suas fileiras em plena disciplina. Supostamente, são experientes e sabem como lidar com tal situação.

Acredita-se que a arte de Hokusai demonstra como o homem é minúsculo em comparação com as incríveis e impressionantes forças da natureza.

Hokusai nasceu em 1760 em Edo (atual Tóquio), Japão. Durante a vida do artista, ele recebeu muitos nomes diferentes. Ele começou a se chamar Hokusai em 1797. O artista descobriu gravuras ocidentais que chegaram ao Japão por meio do comércio holandês.

A principal preocupação de Hokusai em suas obras de arte era captar a natureza real das coisas. Sabemos disso muito bem pela própria biografia de Hokusai, que o próprio mestre escreveu aos 73 anos.

5. Impressão, nascer do sol, Claude Monet (1872)

“Impressão, nascer do sol” (Impression, soleil levant) é uma pintura a óleo criada por Claude Monet em 1872. O movimento artístico conhecido como Impressionismo deve seu nome a esta influente obra.

Esta obra de arte foi exibida pela primeira vez em 1874 em uma exposição independente em Paris, organizada por um grupo de artistas que incluía Monet, Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas.

Numa crítica à mostra, o crítico Louis Leroy condenou “Impressão, nascer do sol”, argumentando que não passava de um esboço.

A resposta de Leroy é compreensível porque a pintura de Monet quebrou muitas convenções artísticas. O artista trabalhou com uma técnica de pincelada solta e quebrada, sem muita definição. Tal metodologia é em grande parte o resultado do desejo impressionista de capturar o momento fugaz ao ar livre.

Esta obra de arte não foi criada em estúdio, mas a partir de uma janela com vista para o porto de Le Havre, na região da Normandia, no noroeste da França. Desta janela, Monet pintou o despertar da cidade moderna ao amanhecer, exigindo que ele usasse pinceladas rápidas antes que a vista mudasse.

Além disso, “Impressão, nascer do sol” é um trabalho calculado que mostra interesse na teoria das cores. Embora o sol pareça perfurar a névoa matinal devido à sua intensa cor laranja, na realidade ele tem a mesma luminosidade que o seu entorno. Numa fotografia a preto e branco, o sol é quase indistinguível do seu fundo, um efeito que Monet não conseguiu por acidente.

Nascido em novembro de 1840 em Paris, na França, Claude Monet foi um pintor francês que se tornou o iniciador, líder e defensor do estilo impressionista.

6. Uma Tarde de Domingo na Ilha da Grande Jatte, de Georges-Pierre Seurat (1884)

Na década de 1880, a classe média baixa da sociedade pariense afluía à Grande Jatte, uma ilha no rio Sena, para passear à beira do rio e fazer piqueniques nas tardes de domingo.

Esse era o tipo de tema que os impressionistas colocaram na moda, mas Seurat estava longe de abraçar a busca do movimento artístico pelo fugaz e espontâneo.

Ele fez mais de 70 esboços e desenhos preliminares a óleo para esta obra de arte formalizada, com sua composição cuidadosa e ênfase em formas geométricas simplificadas.

Durante os dois anos de trabalho em La Grande Jatte, Seurat também desenvolveu a técnica pontilhista de aplicação de cor em pontos que pretendiam se fundir quando vistos à distância.

Cerca de 40 figuras lotam a obra de arte de Seurat, a maioria de perfil ou de rosto inteiro. Muitas figuras foram identificadas como estereótipos parisienses conhecidos.

Por exemplo, a mulher que está em primeiro plano à direita, com uma agitação impressionante, é identificada pelo seu macaco de estimação – símbolo de lascívia – como uma mulher de moral frouxa. O homem sentado com cartola à esquerda é um flâneur, um vagabundo da moda dos bulevares.

Seurat disse que seu objetivo era representar a vida moderna no estilo de um friso grego clássico.

Georges Seurat nasceu em dezembro de 1859, em Paris, na França. Foi um pintor e fundador da escola francesa do Neo-Impressionismo do século XIX.

7. A Noite Estrelada, de Vincent van Gogh (1889)

A Noite Estrelada (originalmente, De sterrennacht), do artista holandês Vincent van Gogh, é uma pintura de paisagem moderadamente abstrata de um expressivo céu noturno sobre uma pequena vila na encosta.

A pintura a óleo é dominada por um céu noturno agitado com redemoinhos azuis cromáticos, uma lua crescente amarela brilhante e estrelas representadas como orbes radiantes. Um ou dois ciprestes, muitas vezes descritos como semelhantes a chamas, elevam-se em primeiro plano à esquerda.

Em meio a toda essa animação, uma vila estruturada aparece de longe. Linhas retas e controladas compõem as pequenas casas e o esguio campanário de uma igreja, que se ergue como um farol contra as colinas azuis onduladas.

Os quadrados amarelos brilhantes das casas sugerem as luzes acolhedoras de casas tranquilas, criando um recanto calmo em meio à turbulência da pintura.

Van Gogh pintou A Noite Estrelada durante sua estada de 12 meses no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, perto de Saint-Rémy-de-Provence, França, vários meses depois de sofrer um colapso nervoso no qual cortou uma parte da própria orelha com uma navalha.

Enquanto estava no asilo, pintou durante surtos de produtividade que se alternavam com estados de desespero. Como um artista que preferia trabalhar a partir da observação, van Gogh limitou-se aos temas que o rodeavam – a sua própria imagem, as vistas fora da janela do seu estúdio e a paisagem circundante que ele poderia visitar com um acompanhante.

8. O Grito, de Edvard Munch (1893)

Obra de arte mais famosa do pintor norueguês Edvard Munch, “O Grito” (Skrik, no idioma original) é a primeira de três versões da pintura, cujas outras duas datam 1895 e, provavelmente, 1910.

“O Grito” está intimamente ligado a uma experiência que Munch teve em 1892. Durante uma caminhada por um caminho nos arredores de Kristiania, que hoje é conhecida como Oslo, na Noruega, o artista de repente sentiu uma dor insuportável no peito.

À medida que o sol se punha, Munch começou a sentir-se fraco e o céu adquiriu uma cor que, segundo ele, lembrava sangue.

Dominado pela dor, Munch descreveu que parecia que um “grito infinito” rasgou a natureza ao seu redor, um grito personificado pelo tema da pintura.

Apesar da figura gritando e do colorido inquieto que paira no olhar de quem observa a retratação do episódio, a cena da pintura é relativamente normal. Atrás da figura, dois indivíduos caminham pela rua e barcos navegam ao longo do fiorde.

A dissonância entre a angústia da figura em primeiro plano e a cena quotidiana em segundo plano fez com que muitos espectadores acreditassem que Munch esperava transmitir uma representação física da angústia que estava enfrentando, de estar em desacordo com o mundo que o rodeava.

Acredita-se que Munch estava enfrentando crises de pânico. O que não é de se admirar, dadas as circunstâncias que marcaram a vida do artista.

Munch nasceu em uma família de classe média que sofria de problemas de saúde. Sua mãe morreu quando ele tinha cinco anos e sua irmã mais velha, quando ele tinha 14, ambas de tuberculose. Munch capturou o último evento em sua primeira obra-prima, A Criança Doente (1885-1886).

O pai e o irmão de Munch também morreram quando ele ainda era jovem, e outra irmã desenvolveu uma doença mental. “Doença, loucura e morte”, como ele disse, “foram os anjos negros que vigiaram meu berço e me acompanharam durante toda a minha vida”.

Munch mostrou talento para desenhar desde cedo, mas recebeu pouco treinamento formal. Um fator importante no seu desenvolvimento artístico foi o Kristiania Bohème, um círculo de escritores e artistas em Kristiania, como Oslo era então chamada. Um dos pintores mais antigos do círculo, Christian Krohg, deu a Munch instruções e incentivo.

Munch sofreu um colapso nervoso em 1908, e depois sua arte tornou-se mais positiva e extrovertida, sem recuperar a intensidade anterior.

Após sua morte, Munch legou sua propriedade e todas as pinturas, gravuras e desenhos à cidade de Oslo, que ergueu o Museu Munch em 1963. Muitas de suas melhores obras de arte estão na Galeria Nacional de Oslo.

9. O Beijo, de Gustav Klimt (1908)

Esta obra de arte de tamanha formosura, complexidade, força e, ao mesmo tempo, sensibilidade chama-se “O Beijo” (no idioma original, Liebespaar), do austríaco Gustav Klimt.

A pintura apresenta um casal abraçado, escondido atrás de um grande manto dourado. Esta pesada cobertura protege e envolve o casal, reiterando a imortalidade do seu amor.

Duas partes distintas constituem a obra de arte: a primeira parte, representando o homem, mostra um padrão geométrico preto e branco repetitivo; simbolizando sua força, virilidade e masculinidade.

Na segunda parte, retratando a mulher, Klimt usa flores e círculos para refletir feminilidade e maternidade.

Como ocorre em muitas das obras de arte de Klimt que retratam abraços, “O Beijo” esconde o rosto do homem e se concentra na mulher. Nesta obra, a expressão facial e os olhos fechados da jovem evocam simultaneamente sentimentos de abandono, êxtase e deleite.

Embora a posição do homem possa parecer intrusiva, a maneira como suas mãos gentilmente seguram o rosto dela evoca um sentimento de ternura.

Os amantes aparecem em um abraço inquebrantável, mas apesar de estarem entrelaçados em um canteiro de flores, eles também estão à beira de um abismo, ameaçando desaparecer para sempre.

Gustav Klimt nasceu em 1862, em Viena, Áustria.

Desde a tenra idade, Klimt mostrou talento artístico.

Com o tempo, Klimt estabeleceu um estúdio independente com seu amigo, Franz Masch, e seu irmão, Ernst. Este trio deixou de lado suas preferências artísticas pessoais para acomodar a aristocracia e a alta sociedade de Viena.

No entanto, em 1892, após a morte prematura de seu pai e irmão, Klimt começou a adotar um estilo artístico mais pessoal. Esse novo estilo baseou-se fortemente no simbolismo e em uma ampla gama de influências fora de seu treinamento clássico. Por volta de 1897, o estilo amadurecido de Klimt começa e emergir.

“O Beijo” é a obra de arte mais popular de Klimt e apreciadores de arte se reúnem anualmente para vê-la na Galeria Austríaca de Viena. Em um notável mural de 180cm x 180cm, sua presença poderosa ressoa na parede enquanto as figuras em tamanho real, envoltas em ouro, se abraçam.

10. A Persistência da Memória, de Salvador Dalí (1931)

Nesta obra de arte de Salvador Dalí de nome original La persistencia de la memoria, o artista reflete sobre a natureza relativa do tempo e introduz o que se tornaria seu o símbolo mais duradouro: um relógio de bolso amolecido como se tivesse sido deixado ao sol durante muito tempo.

Salvador Dalí, na íntegra Salvador Felipe Jacinto Dalí y Domenech, nasceu em 11 de maio de 1904 em Figueras, Espanha.

Como estudante de arte em Madrid e Barcelona, ​​Dalí assimilou um grande número de estilos artísticos e demonstrou uma facilidade técnica incomum como pintor.

Contudo, no final da década de 1920, o desenvolvimento do seu estilo artístico foi motivado pela descoberta dos escritos de Sigmund Freud sobre o significado erótico das imagens subconscientes e a sua filiação aos Surrealistas de Paris.

Depois que Dalí adotou esse método surrealista, seu estilo de pintura mudou com extraordinária rapidez e, de 1929 a 1937, ele produziu as pinturas que o tornaram o artista surrealista mais conhecido do mundo.

Depois de ser expulso do grupo dos Surrealistas de Paris, Dalí passou grande parte de seu tempo projetando cenários de teatro, interiores de lojas de moda e de joias.

No período de 1950 a 1970, Dalí pintou muitas obras de arte com temas religiosos, embora continuasse a explorar temas eróticos, representando memórias de infância e utilizando temas centrados em sua esposa, Gala.

Apesar das suas realizações técnicas, essas pinturas posteriores não são tão conceituadas como as anteriores obras de arte do artista.

A partir de 1980, a saúde de Dalí começou a piorar com o aparecimento da doença de Parkinson e crises de depressão e dependência de drogas. Quando sua esposa Gala morreu, em 1982, seu estado piorou. Ele se recusou a comer e mal se recuperou das queimaduras de terceiro grau sofridas durante um incêndio em 1984. Dalí morreu de parada cardíaca cinco anos depois, aos 84 anos, em Figueras.

E então, o que você achou destas dez famosas obras de arte? Qual delas mais te impressionou? Qual delas você penduraria na parede de sua sala? Sete delas eu certamente inventaria até uma parede a mais só para poder desfrutar diariamente da profundidade de arte, história e significado que emanam.